盲目的仿古复古，满工与繁缛的装饰，美术化与非实用化，主题创作的滥用，符号化、扁平化，是国内工艺美术界在设计制作方面的通病。仿古、复古本身，对于恢复和发展传统工艺、提高手艺人技艺水准是必要的，而且也能满足一部分现实需求。但是，如果脱离了文玩、博物馆纪念品等现实需求，误以为仿古就是在继承传统，误以为传承就是一成不变地重复特定历史时期形成的风格样式，就会误入歧途，使传统工艺的传承停留在肤浅的层次。实际上，传统工艺原本是适应不同时代、不同阶层、不同族群的生活需求而不断发展变化的，盲目的仿古、复古，只是将历史的碎片作为一种元素应用到现代手工艺制作中，却并不意味着建立延续性、活态的传统。为此，我们有必要区分两种传统和两种仿古。一种传统，是传承有序、不断适应新的社会生活环境而不断进行再创造，这种传统是一种真正的传统，是活的、持续演进的传统。另一种传统，是传承链条断裂后，在与传统无直接关系的现代语境中，对古代风格样式的摹仿和重复，这种传统是一种假冒的或传说中的传统。 一种仿古，如龙泉窑、汝窑的复兴，是在材料和工艺上下功夫，是在传统跌入历史低谷之际的一次复兴，是超越时代的局限性，追赶、超越古人，与处在历史巅峰上的宋代美学对话。这种仿古，与西方的文艺复兴有某些相似之处。文艺复兴并不是延续近在眼前的中世纪传统，而是通过“复兴”遥远的古希腊罗马传统，建立一种以个人创造力为基础的现代文明。另外一种仿古，只在风格样式上做表面文章，与古代精品除了外观上的相似，整体技艺水平和文化内涵远远不及。这种仿古，实际上是把传统当作一种符号和元素，挪用到当代手工艺的制作中。很明显，这是一种偷懒的做法，非但难以提升工艺制作和设计水平，也无法赶上和超越古人。我们把这种仿古，称为仿古风、复古风。工艺美术界，除了流行仿古风，还盛行美术风。“工艺美术”这个偏正词组，源自日本从西方翻译而来的“美术工艺”。无论是叫美术工艺，还是叫工艺美术，重心都落在美术上，是以美术的标准来衡量工艺。在工艺美术院校中，工艺美术往往意味着一种不涉实用的手工艺创作；而院校外的手艺人，为了成为受人尊敬的艺术家，也试图效法学院美术，使传统工艺“美术化”。美术化的一个常见做法，是加框上墙、加基座，创作独立的绘画和雕塑作品。如今，不仅所谓四大名绣一律往美术绣方向发展，在一些原本不具备绣画传统的地区，绣娘们也开始摹仿苏绣，粗针大线地绣出西洋画的效果，加框上墙，试图成为艺术家。徽州木雕或东阳木雕，原本是建筑构件和家具上的雕花，如今也被美术化，成为摆放在基座上的圆雕，或是加框上墙的浮雕作品。不少作品，明显沿用了来自西方的学院派题材，如人体，焦点透视的风景等。在工艺美术院校中，不少人将以实用为根基的“装饰艺术”片面地理解为某种特定的装饰风格，这股风气扩散到民间，也就使得装饰风在工艺品制作中流行。后来，学院中又开始流行抽象艺术、观念艺术，一些手艺人受到这种影响，也开始效仿，做出一些不伦不类的作品。 美术界通行的主题创作手法，也有意无意地影响着手艺人的创作。在全国各地都能看到用不同材料工艺制作的清明上河图，如剪纸、刺绣、竹编、木雕等，以长以大为美，以耗时费工为能事。类似这样的鸿篇巨制，除了摹仿众所周知的古代艺术品，有时也试图运用一些当下流行的主旋律题材，却常常因为与创作者的生活和地域文化脱节，难以引起观者的共鸣。这些题材虽然是具象的，却往往给人以抽象的、符号化的印象。其原因在于，无论是时政类题材还是清明上河图这类耳熟能详的经典艺术题材，在这里都是作为抽象的符号被使用的。 一般来说，文化的符号化，在大众文化消费市场上比较常见。如卢浮宫中的《蒙娜丽莎》是所有游客必看的一幅经典名画，将它印在T恤衫或马克杯上卖给游客，可以起到“到此一游”的纪念作用。再如熊猫，作为一种符号，常见于四川的旅游纪念品市场，也大量出现在蜀绣中。这种类型的符号，在今天有一个时髦的名称叫做“IP”（Intellectual Property），例如随清宫戏大热的康熙、雍正、乾隆皇帝，是促进故宫文创衍生品大卖的IP。在不少旅游景区，都有这类符号化的视觉表征形式，如红灯笼、中国结、少数民族图腾等，它们看似取自传统，却与地方民众的真实生活没有联系，或至少是以一种卡通化、扁平化的方式呈现的生活断片。在市场营销中蹭热点、卖IP原本无可厚非，但如果在创作中滥用符号，对于创作本身是会带来损害的。一些手艺人在创作中随意使用和堆砌来自传统的符号，如龙凤和各种吉祥图案，并以为这就是在继承传统，这实在是一种误解。因为，在古代，这些图案的应用是要遵循一定规矩的，并不是想怎么用就怎么用，想用到哪里就用到哪里。如果这些手艺人能意识到自己实际上是在使用符号，就能从一个完全不同的角度来思考产品设计问题。实际上，为了赢得大众消费者，不一定非要使用来自传统的IP。例如，小猪佩奇大热时，有人制作了一款类似“鸡缸杯”的陶瓷杯，让佩奇骑着自行车到青绿山水中郊游，马上就成了网络上的爆款。但是，对于那些根本就不想往大众市场发展、也不考虑开发衍生品的手艺人来说，无论是乾隆、小猪佩奇还是蒙娜丽莎，都是不值得考虑的。他们定位小众文化消费市场，精工细作，以时间和品质取胜，而不是以卖符号和衍生品为存身之道。当然，如果能两条腿走路，一方面以传统工艺精品服务于小众需求，另一方面以日用品服务于大众需求、以衍生品扩大品牌影响，对于工艺美术企业发展壮大、打造百年品牌无疑是有好处的。不过，对于任何企业来说，不达到一定的规模，不进入一定的发展阶段，是不可能两条腿走路、实现多重发展目标的。
蜀江锦院“Shu Art（蜀文化）”系列产品，2017年
工艺美术企业多数是小微企业，资金少，规模小，只有定位精准，才可能成功接收市场的挑战，形成自我造血机制。不过，无论怎样定位，保留核心技艺、建构传承体系，都是工艺美术企业的立身之本。成都的蜀江锦院，2002年由创建于上世纪50年代的成都蜀锦厂改制、转型而来。经过十余年的发展，在北美和加拿大建立了设计团队，在美国建立了销售网络，推出了一系列时尚的丝织、印花产品。在国内同类型企业中，蜀江锦院的设计研发能力已位居前列，甚至达到国际领先水平，但是，这家公司并未因此“忘本”。改制后，公司留下蜀锦和蜀绣两条传承脉络和两组核心团队，不仅在博物馆中建立大师工作室，进行活态展演和生产，而且在厂区保留了一条传统蜀锦织造的生产线，培养年轻的挑花结本艺人。
蜀江锦院的抉择是正确的，因为这个世界不缺时尚品牌，也不缺时尚品牌对传统元素的衍生应用，而蜀锦织造技艺一旦失传，就会造成难以挽回的损失。为更好传承保护蜀锦蜀绣的工艺文化，蜀江锦院于2009年投资3000万元，建设成都蜀锦织绣博物馆。博物馆用近3000平方米展示蜀锦、蜀绣文化历史，展示各个时期蜀锦实物及复制品约500件，各类绣品、文物约600多件。同时，博物馆内摆放着两台大型的清代花楼木织机，由原蜀锦厂老艺人带领徒弟现场进行全手工织造。此外，博物馆内还设有商品售卖区，以“体验营销”的理念为指导，通过让顾客观摩、聆听并亲身体验蜀锦浓郁的文化气息，实际感知蜀锦的优良品质及深厚的文化，从而促使顾客了解、喜爱并购买蜀锦相关产品。
随着社会主要矛盾的变化，中国已进入一个新的发展阶段。在设计界，滥用“中国元素”的现象正逐渐让位于“传统工艺再设计”等建立在对传统深入了解基础之上的设计；人们对文创产品的认识，不再局限于纪念品和廉价替代品，而是开始关注优质的材料和工艺，关注产品的实用性和功能性。在生活观念和设计观念的变迁中，工艺美术行业对设计的理解，也应与时俱进。究其实质，设计是沟通生产方与使用方的一道桥梁，只有明确了使用方和消费群体的需求，才能更有针对性地做好设计。正如原文化和旅游部副部长项兆伦所说，传统工艺走进现代生活，需要“用”字引领。（未完待续！）
陈岸瑛，清华大学美术学院艺术史论系系主任，长聘副教授，博士生导师，传统工艺与材料研究文化和旅游部重点实验室副主任。主要研究方向有美学、现当代艺术理论、非物质文化遗产、传统工艺与相关文化产业。2010年入选教育部“新世纪优秀人才支持计划”；2018年荣获文化和旅游部“全国非物质文化遗产保护工作先进个人”称号。
